Как подбирали рамы к своим произведениям великие художники? Какое значение они придавали обрамлению своих картин? И существуют ли правила, по которым оформляют картины профессиональные галеристы и устроители выставок? Начнем, пожалуй, с рассказа о великих творцах далекого прошлого и современности.
Искусство, выходящее за рамки… картин. Истории обрамления шедевров
В искусстве с одинаковым успехом уживаются и картины без рамок, и рамки без картин, как самостоятельный арт-объект, и даже пустые пространства, которые тоже могут быть произведением искусства.
Вот, например, британец Тино Сегал успешно выставляет в самых престижных галереях мира свою… пустоту. А посетители выставки сами наполняют ее смыслами и содержанием. Мысленно.
Или взять, например, «Черный квадрат» Малевича – «просто» квадрат черного цвета на белом поле. Что это: картина без рамы, или рама без картины?Художник вложил тайный смысл не только в закрашенное черной краской пространство, но и в белый холст вокруг него. Трудно представить эту картину в обрамлении золоченого багета! Именно по этой причине ни одна картинная галерея мира не рискнула как-то изменить первоначальный замысел Малевича, выставляя его «Черные квадраты» (а их художник написал несколько) как есть, в виде оригинального холста без рамы.
Иногда художник создает раму одновременно с картиной. За пять столетий до «Черного квадрата» юный Рафаэль Санти в далекой Италии написал картину «Мадонна Конестабиле». Поскольку художник писал это полотно на досках, он сразу заключил свое произведение в раму с особым узором гротесками. Оттенки колера и позолоты рамы поддерживают цветовую гамму портрета: голубой цвет того же оттенка, что и покрывало Мадонны, а золотистый – как солнечные блики в волосах младенца.
Американский живописец Джеймс Макнейл Уистлер, живший в XIX веке, также самостоятельно создал раму к своей картине «Аранжировка в сером и черном. Мать художника». Портрет написан в строгой, лаконичной манере, и художник счел нужным подчеркнуть отделкой рамы те детали, которые на картине не столь заметны – например, обручальное кольцо на руке матери имеет в точности тот оттенок, что и позолота рамы. Полотно вошло в историю под названием «Мать Уистлера», и стало впоследствии одним из самых узнаваемых портретов, наряду с «Джокондой» Да Винчи и «Криком» Мунка.
Но не все художники столь решительны в выборе изобразительных средств. Густав Климт в поисках ответа на вопрос, что важнее: форма или содержание, то вписывал картину в уже готовую раму, то запрещал обрамлять некоторые свои произведения. Художник считал, что живописное полотно должно перетекать в окружающее пространство, сливаясь с действительностью.
Русский художник Василий Верещагин создавал тематические серии картин, и к каждой из таких серий он лично заказывал рамы, объединенные общим стилем и техникой отделки.
Художник полагал, что рама не ограничивает пространство картины, а дополняет ее содержание.
Еще один русский художник Орест Кипренский, посчитав, что написанный им портрет датского скульптора Б. Торвальдсена получился слишком скромным, потратил немало времени на поиск достойной рамы к своему произведению. Кипренский даже посвятил поиску этой рамы поездку в Италию, откуда и привез роскошный образец итальянской рамовой резьбы. Художник удовлетворенно отметил: «Богатейшая, на старинный манер рама весьма приличный делает вид картине».
История живописи знает и такие картины, выбор рамы для которых затягивался на долгие годы, а порой на столетия. Так, знаменитый скульптор Микеланджело Буонаротти написал легендарное «Святое семейство» в самом начале XVI века, а раму для этого произведения смогли подобрать лишь полтора века спустя, в конце XVII века.
Все потому, что Микеланджело, как скульптор, придавал фигурам на полотне объем и особую «мраморную» фактуру. Подобные «живописные статуи» в любой раме становились плоскими и невыразительными. И только резная рама (автор которой неизвестен ) с выпуклыми барельефами смогла уравновесить уникальную объемную живопись.
Порой картины в рамах сами становились объектом изображения. Картины, вписанные в картины – любимый прием нидерландских художников XVI-XVII веков. Пожалуй, квинтэссенцией такого художественного приема можно назвать полотно «Эрцгерцог Леопольд Вильгельм в своей галерее в Брюсселе» Давида Тенирса Младшего.
А вот на полотне знаменитого художника XV века Яна ван Эйка «Чета Арнольфини» рама зеркала на стене содержит тайные знаки и символы, значение которых до сих пор до конца не расшифровано.
Символизм, доведенный до крайнего предела (и зачастую выходящий за границы хорошего вкуса), демонстрирует стиль рококо. Рококо – это апофеоз рамок, рамочек, обрамлений и декоративных элементов, за которым напрочь теряется сама картина. Вот уж где по-настоящему форма властвует над содержанием! Недаром именно стиль рококо выбирал для оформления своих фантастических замков безумный и несчастный «сказочный король» Людвиг II Баварский.
Интересные факты
-
Историк искусства Пол Митчелл в своей книге «Краткая история рамы» утверждает, что первые рамы появились в 3-4 тысячелетии до н.э. в виде надгробных плит.
-
Ведущие аукционы мира (Sotheby’s, Christie’s, Bonhams, Eve) регулярно выставляют в качестве лотов не картины, а антикварные рамы. Стоимость некоторых рам доходит до полумиллиона долларов.
-
Петр I обязывал придворных покупать картины в пышно декорированных рамах и украшать ими свои дома. Царь плохо разбирался в живописи, но очень ценил парадность и роскошь резных рам. Поэтому иногда Петр I лично посещал особняки русских вельмож, проверяя, достаточно ли резьбы и позолоты в оформлении картин.
-
Знаменитая «Троица» Андрея Рублева хранится в Третьяковской галерее, а золотые рама и оклад к этой иконе – в Сергиево-Посадском музее.
-
Итальянские мастера использовали для изготовления картинных рам дуб, палисандр и вишню, а русские мастера – липу и сосну.
-
В Эрмитаже существует особая должность – «хранитель художественных рам». В его обязанности входит ежедневно осматривать рамы во всех залах огромного музея, вовремя отправляя их на реставрацию.
Секреты галеристов: правила выбора рам для домашней экспозиции
Гениальные художники и эксцентричные коллекционеры могут позволить себе роскошь действовать не по правилам, свободно решая творческие задачи. Специфика же личной коллекции памятных домашних фото, пейзажных акварелей или искусных вышивок диктует свои правила – простые и понятные. Обратимся за советом к тем, кто профессионально занимается выставками. Самые успешные и знаменитые галеристы не выдают своих секретов, но кое-что можно подсмотреть, подметить и вывести общие правила для «домашнего использования».
-
Фотографии.
Фотоработы «говорят» со зрителем на ином языке, не так, как живописные полотна. Как правило, рамки для фотографий либо максимально лаконичны, либо отсутствуют вовсе. Очень большие снимки не принято заключать в рамку.Исключение — фотопортреты крупным планом, но в таком случае их не вешают на стену, а располагают на столе. Для оформления современных интерьеров дизайнеры часто используют выразительные черно-белые фото.
-
Сюжетные фотографии, фотоколлажи, «семейное древо».
В этих случаях рамка будет объединять и подчеркивать личный характер разнородных черно-белых и цветных фотографий. При выборе честного игрового портала, необходимо обращать внимание на мнение постоянных пользователей и рейтинг казино от настоящих экспертов. Остальные критерии каждый определяет самостоятельно, выбирая интересную тематику, привлекательные бонусы или эксклюзивный план работы портала. Кто-то стремиться сорвать прогрессивный Джек-пот, а для кого-то этот критерий является минусом. -
Живопись.
Существует правило: чем «легче» техника живописи, тем лаконичнее рамка. Акварель и пастель плохо смотрятся в тяжелом багете с позолотой, а масло и гуашь проигрывают в простой гладкой раме. Невесомые акварели и тонколинейную графику чаще всего помещают в белое или однотонное паспарту, в особенности, если картина маленького размера.
Исключение: по-настоящему редкие и ценные произведения искусства, роскошное обрамление которых подчеркивает их значимость.
-
Вышивка.
Маленькие вышитые композиции обычно помещают в деревянные рамки прямоугольной, реже круглой или овальной формы. Круглые рамки-рондо, повторяющее форму пялец для вышивания, отлично смотрятся на стене в любых комбинациях. Такую «выставку» можно постоянно дополнять, обновлять, менять местами объекты.
Исключение: вышивки-точные копии известных картин. В таком случае настоящая багетная рама будет вполне уместна.
-
Объемные поделки и композиции.
Вязание, плетение, керамика, барельефы из теста или соли (обычно на фольклорные мотивы), камни, песок, пластик и металл – любая художественная композиция, выходящая за плоскость основы, требует массивной рамки.
Рамка-ящик, рамка-поднос, и даже рамка-столик с высокими бортиками играют роль своеобразной «сцены», придавая композиции глубину и динамику.
Расположение и группировка
У галеристов существует жесткое правило: самое ценное (известное, уникальное, редкое) полотно располагается в центре экспозиции. Однако в домашней коллекции картин или фотографий сложно выделить «шедевр», сделав его центральным объектом выставки. Поэтому в центр лучше поместить либо самое крупное по площади произведение, либо самое яркое по краскам. Вообще, законы правильного экспонирования представляют собой не столько руководство к действию, сколько запреты. Вот, например, несколько таких типичных “не”:
-
Не располагать картины по размеру (от больших к маленьким или наоборот). Такой принцип обесценивает произведения, делая их обычным интерьерным декором.
-
Не размещать в одну линию горизонтальные картины. Лучше расположить такие объекты один над другим, своеобразными «столбцами». А между ними повесить узкую, вытянутую в высоту, картину.
-
Не вешать картины слишком высоко или слишком низко. Оптимальная высота расположения объекта определяется просто: нижний край картины (не рамы!) должен быть на 2-3 см ниже уровня глаз смотрящего.
-
Не применять «шпалерную» развеску (много картин, покрывающих всю стену) в маленьком помещении. Для шпалерной развески подходят только большие, хорошо освещенные выставочные залы.
-
Не смешивать различные изобразительные техники на одной стене. Например, вышивку и картины маслом, акварели и керамические барельефы, и т.п.
-
Не помещать все изображения в одинаковые рамы. Полностью идентичное оформление экспозиции отвлечет внимание от самих произведений, и также «обесценит» картины до уровня декора интерьера.
Впрочем, и эти запреты не всегда точно соблюдаются профессиональными устроителями выставок, поскольку искусство всегда оставляет простор для творчества. Главное – руководствоваться личным ощущением пространства, и больше доверять собственному художественному вкусу. Ну а если вы сомневаетесь, всегда можно сказать себе волшебную фразу: «Я – художник, я так вижу»!
Карина Свиридова, специально для «Светосила».